Une étude a été confiée au cabinet QualiQuanti, qui a travaillé dès 2020 dans un contexte exceptionnel marqué par l’arrêt des spectacles et les confinements successifs. Sa publication, en ce printemps 2022, alors que démarre le Printemps de Bourges, prend tout son sens à l’heure où la reprise du spectacle vivant doit désormais être consolidée, tant du point de vue de l’activité de création, de la transition écologique et numérique du spectacle vivant, que de l’expérience spectateur.
L’étude menée par QualiQuanti avec Raphaël Lellouche pour le CNM part précisément de cette idée : l’expérience musicale ne se réduit pas à l’écoute. Elle engage une mise en scène, un rapport entre la salle et la scène, une participation du public, une économie de l’attention, et même une forme de communion collective. Le rapport distingue ainsi plusieurs dimensions : le spectacle musical, la musique spectacularisée, le live streaming, puis la place du spectateur dans l’expérience musicale.
La méthode consiste donc à regarder le concert comme une scène totale : non seulement ce qui est joué, mais aussi la manière dont le public est placé, ce qu’il est autorisé à faire, ce qu’il voit, ce qu’il ressent, ce qu’il partage, et ce qu’il emporte après l’événement. Le concert devient alors un objet anthropologique : il raconte notre rapport contemporain à la présence, au collectif, au corps et à la médiation technique.
Spectacle musical ou musique spectacularisée ?
L’analyse commence par une distinction essentielle. Tous les événements musicaux ne relèvent pas du même régime. D’un côté, il y a les spectacles musicaux au sens fort : opéra, ballet, théâtre musical, formes où la musique est intégrée à d’autres dimensions artistiques comme le décor, le costume, la narration ou la danse. De l’autre, il y a la musique “spectacularisée” : le concert, dans lequel la performance reste principalement musicale, mais s’enrichit de lumière, d’images, d’écrans, de scénographie et de codes visuels.
Cette distinction est fondamentale. Dans un opéra, la musique appartient à une totalité dramatique. Dans un concert pop, rock ou électro, la musique est au centre, mais elle est augmentée par une mise en scène qui la rend plus intense, plus visible, plus mémorable. Le spectacle ne remplace pas la musique ; il la met en puissance.
C’est pourquoi le concert contemporain ne peut plus être pensé comme une simple exécution musicale. Il doit proposer un univers. L’artiste ne chante pas seulement : il apparaît, se donne, se met en scène, construit une identité visuelle, active une relation avec son public.
De l’écoute esthétique à la participation émotionnelle
L’un des apports les plus forts de l’analyse est l’opposition entre deux régimes d’expérience : le plaisir esthétique et la participation émotionnelle.
Dans les formes classiques, notamment l’opéra ou le concert de musique classique, la séparation salle/scène est fortement marquée. La salle est plongée dans le noir, la scène est éclairée, le public reste assis, silencieux, concentré. Le spectateur doit recevoir l’œuvre sans perturber son déroulement. Il est dans une posture d’attention esthétique.
Dans le concert populaire, cette frontière tend au contraire à s’abolir. Le public chante, danse, crie, filme, applaudit, répond à l’artiste. L’événement repose sur un jeu d’émulation : plus l’artiste donne, plus le public répond ; plus le public répond, plus l’artiste est porté. Le concert devient alors une fête collective, une circulation d’énergie entre la scène et la salle.
Ce point est décisif : le concert n’est pas seulement la reproduction d’un programme. Il vaut parce qu’il est singulier. Il y a des accidents, des imprévus, des intensités, des moments qui ne se répéteront pas. On n’y assiste pas seulement : on y participe.
La spectacularisation comme réponse à une attente d’intensité
La spectacularisation des concerts répond à une attente contemporaine : il ne suffit plus de chanter devant un orchestre ou un groupe. Le public attend une expérience complète. Les lumières, les costumes, les projections, les écrans, les décors, les effets visuels participent à la création d’un événement émotionnel fort.
L’étude évoque Madonna, Kraftwerk, Mylène Farmer, Johnny Hallyday ou encore Tomorrowland comme autant d’exemples de cette montée en puissance du spectacle. Madonna transforme une performance musicale en mini-drame visuel ; Kraftwerk construit un univers robotique et numérique ; Mylène Farmer et Johnny Hallyday mobilisent des codes quasi sacrés d’apparition verticale ; Tomorrowland pousse à son maximum l’immersion lumineuse et collective.
La spectacularisation n’est donc pas un simple “habillage”. Elle produit du sens. Elle donne à l’artiste un univers de marque, une signature esthétique, une personnalité scénique. Le concert devient la performance d’une identité artistique. On ne vient pas seulement écouter Madonna, Mylène Farmer ou Kraftwerk ; on vient entrer dans leur monde.
Le concert comme cérémonie religieuse laïque
L’analyse va plus loin en décrivant le concert comme une forme de cérémonie religieuse laïque. Cette formule est particulièrement féconde. Le concert mobilise en effet des éléments proches du rituel : rassemblement collectif, ferveur, attente, apparition de la figure centrale, émotion partagée, sentiment de communion.
L’artiste y occupe une position quasi sacrée. Il “se donne” au public. Sa présence est irremplaçable parce qu’elle est charnelle, située, incarnée. Le rapport évoque même le concept de “présence réelle” : l’artiste ne se contente pas d’exécuter une œuvre, il engage son corps, son énergie, sa puissance expressive.
Cette dimension explique pourquoi le concert physique reste si fort malgré l’abondance des médias musicaux. Une chanson peut être écoutée partout, mais la présence de l’artiste dans un lieu partagé crée une intensité différente. Le public ne consomme pas seulement un contenu ; il vit une communion.
Les écrans : menace ou amplification de l’expérience ?
Les écrans occupent une place ambiguë. D’un côté, ils peuvent sembler éloigner de la présence réelle : on filme au lieu de regarder, on médiatise au lieu de vivre. De l’autre, ils appartiennent désormais à l’expérience du spectacle. Les écrans géants permettent de mieux voir. Les téléphones fabriquent des souvenirs personnalisés. Les réseaux sociaux prolongent l’événement après le concert.
L’analyse souligne qu’interdire radicalement les téléphones peut aller contre la dimension spéculaire du spectacle vivant. Dans un concert, on ne regarde pas seulement l’artiste : on regarde aussi les autres regarder, chanter, crier, filmer. Le public fait partie du spectacle. Filmer, pour certains spectateurs, c’est construire une trace personnelle d’un moment vécu comme significatif.
Il ne s’agit donc pas de choisir entre pureté de l’attention et usages numériques. L’enjeu est plutôt d’organiser une cohabitation : préserver l’intensité du moment tout en acceptant que l’expérience contemporaine du concert passe aussi par l’image, le souvenir et le partage.
Le live streaming : une intermédiation imparfaite
La crise sanitaire a donné une importance nouvelle au live streaming. Mais l’analyse montre que le streaming n’est pas un équivalent du concert physique. C’est une intermédiation : un dispositif technique qui tente de remplacer la médiation de la salle par celle de l’écran.
Or une salle n’est pas seulement un lieu. C’est déjà un média : elle organise la perception, la distance, l’attention, la relation entre l’artiste et le public. Quand le spectacle passe par un écran, il faut compenser l’absence de présence physique. Certains artistes tentent de le faire en donnant accès aux coulisses, en parlant au public, en utilisant le chat, en créant des formes de proximité numérique.
Mais cette médiation reste imparfaite parce que le concert est une œuvre performative. Une peinture ou une sculpture existe indépendamment de son exécution. Un spectacle vivant, lui, n’existe pleinement qu’au moment où il est joué. Le streaming doit donc tenter de rendre présent ce qui, par nature, dépend d’une présence réelle.
Voir, se voir, être vus : la nouvelle place du spectateur
L’évolution des salles traduit aussi cette transformation de l’expérience. Les configurations circulaires, où le public entoure la scène, réduisent la séparation traditionnelle entre la salle et la scène. Elles permettent aux spectateurs de voir l’artiste, mais aussi de se voir entre eux. Le concert devient une situation spéculaire : chacun voit le spectacle et voit les autres participer au spectacle.
Cette architecture du cercle est symboliquement forte. Elle évoque le rassemblement, la communauté, la cérémonie. Elle rompt avec le modèle frontal du théâtre classique italien, où la scène domine une salle silencieuse. Le public n’est plus seulement une masse anonyme tournée vers une scène ; il devient une assemblée visible, active, participante.
L’après-concert fait partie du concert
L’expérience ne s’arrête pas avec la dernière chanson. Elle continue dans les discussions, les photos, les vidéos, les commentaires sur les réseaux sociaux. Le rapport insiste sur l’importance d’organiser l’après-spectacle : les spectateurs ont besoin d’échanger, de prolonger l’émotion, de comparer leurs impressions, de partager ce qu’ils ont vécu.
Cette dimension est essentielle pour les artistes et les organisateurs. La satisfaction ne dépend pas uniquement de la performance scénique. Elle est influencée par l’accès, la billetterie, l’attente, les toilettes, la sécurité, les conditions de sortie, la possibilité de partager ensuite l’expérience. L’artiste, en tant que figure centrale, est souvent jugé responsable de l’ensemble, même si de nombreux acteurs interviennent dans l’organisation.
Accepter les aléas du vivant
Un spectacle vivant comporte des aléas. Retards, imprévus, incidents, réactions du public : tout cela peut agacer, mais tout cela contribue aussi à la singularité de l’événement. Si l’on voulait supprimer tout imprévu, il faudrait se tourner vers le préenregistré. Mais alors on perdrait une part de ce qui fait la valeur du live.
L’analyse rappelle que l’aléa doit être maîtrisé sans être totalement effacé. Il y a une tension à gérer entre excitation et agacement, surprise et frustration, liberté et sécurité. Le concert vivant repose précisément sur cette part d’incertitude : quelque chose peut arriver.
Même la question du prix peut être pensée dans cette logique. Le yield management, les billets early, les marchés secondaires, les différences de prix selon la demande introduisent une autre forme d’aléa : celle de l’accès. Le spectacle est aussi une marchandise rare, soumise à l’offre et à la demande. Cette dimension marchande peut être mal vécue par les artistes, mais elle fait partie de l’économie contemporaine du spectacle.
Conclusion : le concert comme expérience totale
Cette analyse sémiologique montre que le concert est beaucoup plus qu’une écoute collective. C’est une expérience totale, où se combinent musique, corps, lumière, architecture, émotion, participation, images, souvenirs et marché.
À l’heure du streaming, sa valeur ne réside pas seulement dans l’accès à la musique, devenu presque illimité. Elle réside dans ce que le numérique peine encore à reproduire : la coprésence, la vibration collective, l’imprévisible, le sentiment d’avoir été là.
Le concert reste donc un lieu privilégié de présence réelle. Il est un rituel laïque où l’artiste se donne, où le public répond, où la communauté se forme momentanément autour d’une intensité partagée. Sa modernité ne consiste pas à résister aux écrans, mais à les intégrer sans perdre ce qui fait sa force : la rencontre vivante entre une scène, une salle et une émotion commune.
Pour piloter le « sense of place », les marques ont à leur disposition quatre leviers complémentaires :
